写真引用元：ハンガリー国立美術館（ Hungarian National Gallery ）
はじめに
A) 本記事は、「現場のプロから芸術を学びたい」を目的に、各国のエキスパートにレクチャーをしてもらう企画をまとめた記事になります。
今回は、ハンガリー国立美術館（ Hungarian National Gallery ）をお招きし、国内最大級のアートコレクションの一部、中世時代の美術作品から、ハンガリーの美術史、画の魅力やストーリーなどについて教えてもらいました。
ハンガリーは、ヨーロッパの中央に位置する内陸国で、マジャール人が９世紀にロシアのウラル山脈の中・南部から移動し、現在の場所に定住したとされています。マジャール人は、フン族の相続者たるを特に強く主張している傾向もあります。１０００年頃には、ハンガリー王国が成立し、中世に版図を広げました。その後、ハプスブルク家によるハンガリー王位の継承やオスマン帝国の進出によって版図は三分割され、１８世紀には全土がハプスブルグ帝国の支配下に入ることとなりました。
このような背景もあり、ハンガリーはスラブ系の民族やオーストリア、オスマン帝国など周辺諸国の影響を受けてきたとされています。１９世紀半ばから２０世紀初頭になると、ナショナリズムの機運が強まり、芸術文化活動もきわめて活発に展開されていきました。
今日は、ハンガリー国立美術館で学芸員を務められるZsófia Albrecht氏の進行のもと、美術作品を通して、どのよう特性や動きが見られたのか等を教えていただきます。
以下、アルブレフト氏のプレゼンテーション内容をまとめたものになっています。
ハンガリー国立美術館の成り立ちと歴史
A）まず初めに、ハンガリー国立美術館についてお話しします。
現在、この美術館はハンガリーの首都、ブダペストにある「ブダ城」の宮殿内部に設けられています。
ハンガリーの美術を記録し紹介する、最大の公共コレクションを保有する国立美術館の一つです。建築物ができた当時の１８世紀においては、このような外観をしていました。
この建物は何世紀にも渡り、大規模な改修が行われましたが、最初の大きな改修はトルコ戦争後の１８世紀に行われました。ハンガリーはオスマン帝国に占領されていましたが、１７世紀末には戦争が終わり、その後、ある貴族が新しいハンガリーの支配者のために王宮を改装することを決定しました。
その新しい支配者は、ハプスブルク家から来たマリア・テレジアで、彼女は１７４０年から、１７８０年までの４０年間、王位にありました。
彼女はここでハンガリーの女王として描かれており、絵画にはハンガリーの紋章が見えます。私たちの王冠とセプターもあります。彼女は美しいドレスとエルミンのマントを身にまとっています。彼女はウィーンに住んでいましたが、宮殿はブダペストにあり、それによりこの建物は改装されました。大きな中庭がつくられ、内部はすべての部屋が互いに繋がりました。これはルイ１４世のヴェルサイユの例を模倣したもので、彼の影響でヨーロッパ中にその様式が広まりました。
さて、私たちがいる美術館の内部はどのように見えるでしょうか。ここでは現代コレクションやゴシック絵画コレクションなど、様々なコレクションをご覧いただけます。内部のドームや建物を見ると、外観が異なることがわかります。これは第二次世界大戦で建物が大きく損傷し、内部を保存できなかったためです。ほとんどの家具は焼失してしまったため、他のヨーロッパの宮殿のような部屋はありません。
美術館ではその部屋を使い、教育プログラムが非常に重要視されており、幼稚園から高齢者、特別なニーズを持つ人々まで、すべての人に向けたプログラムを作成しています。
私たちの最も美しいコレクションの一つである、後期ゴシック絵画のコレクションの紹介を交えつつ、中世のヨーロッパ美術について少しお話ししたいと思います。
中世の歴史と発展に伴う美術の変化
ここで言う中世は、11世紀から15世紀後半までの期間を指し、ハンガリーでは新たな革新や方向性が訪れました。例えば、１５世紀や初めや１６世紀の後期中世芸術について、すでにイタリアやフランス、さらにはオランダで新しい方向性が見られましたが、ハンガリー地域でも進歩的な考え方はその当時存在していました。
中世芸術全般について言えることは、主なパターンとしてカトリック教会、王族、そして貴族がいたことです。
言い換えれば、資金を持っていて、そのお金を芸術に費やすことができた人々です。主なテーマは聖書、聖人の伝説、そして古代の物語でした。工房には職人やマスター、弟子たちがいて、彼ら芸術家たちには様々な場に研修旅行や仕事に行く国際的な教養やステータスが非常に重要でした。中世のハンガリー芸術について語る際に、彼らの教養は特に重要になります。作家達は様々な場所で制作していたため、作品に署名される名前や場所は様々でした。彼らは主にテンペラ、キャンバス、油絵などを使用していましたが、高価で美しいゴールドやラピスラズリといった材料も用いられ、高価で美しい色が表現されました。例えば青色の顔料は非常に貴重で、裕福な教会や王族のみがこの顔料を使った芸術作品を発注、購入することができました。
写真を見ていただくと、金箔の薄い層が背景に施されているのがわかります。これは絵画のフレームにも使われました。
また、この写真では、彫刻がどのように作られたかが示されています。彫刻は内部をくり抜くことで軽くなり、移動が容易になりました。これはとても重要な作業で、木材から彫刻を作る場合、内部が乾燥していることが長持ちする彫刻の条件でもあります。
これは、私たちの中世後期のコレクション部屋の様子です。このコレクションは、中央ヨーロッパでも最も豊かなものの一つでしょう。
これらの作品は非常に良好な状態に保たれており、それは修復のおかげだけではありません。一般的に言えば、オスマン帝国は国の北部に行くことができず、教会にある作品を破壊することができませんでした。残念ながら、中部地域では、これらのアタールの芸術作品が破壊されてしまいました。（館内「古代ハンガリーコレクション」の一部↓）
例えば、ゴシック後期とルネサンスの境界に位置するパナールの絵画があります。これはギャラリーの宝物の一つであり、私たちの美術史において非常に重要です。当時は作家、アーティストの役割が重要視されていなかったため、サインがイニシャルしか残っていない、あるいは全く残っていないことは珍しくありませんでした。
ルネサンスの時代まで、レオナルドやミケランジェロのような芸術家が初めて自らの作品に署名をするようになり、北方の国々でも作品が認識されるようになりました。
ここにあるのは「The Visitation（訪問）-1506」という作品です。キリストの母マリアと、洗礼者ヨハネの母エリザベトが描かれています。エリザベスがマリアを迎えるために訪れ到着した瞬間が描かれており、彼女は片手を上げて挨拶し、手のひらに一つのキスを与えています。このジェスチャーから、二人の女性の間に階級構造があることが分かります。もちろん、マリーは聖書における最も重要な女性の一人であり、彼女はキリストを妊娠していますが、エリザベスも洗礼者ヨハネを妊娠しています。とはいえ、最初の瞬間にはそれが明らかではありません。この出会いは、まだ胎内であるキリストと洗礼者ヨハネの初めての邂逅を意味します。ヨハネは、後にキリストを洗礼する役割を担うことになります。これは非常に重要な瞬間です。画家は、当時の進歩的な芸術動向をよく理解していたに違いありません。この作品はゴシック美術とルネサンス美術の狭間に位置しています。彼は重要な現代の名匠たち、例えばマルティンやその他の作品を知っていたことがわかります。さて、この絵画に関するさらなる重要な事実を見てみましょう。
背景に関しては、金色が多く使われており、それは天国と永遠の命を象徴しています。また、マリーの形を見てみると、S字型をしていることがわかります。これは後期ゴシック美術の典型的な例で、絵画だけでなく彫刻にもその特徴が見られます。彼らは女性キャラクターの体を曲げてある意味を表現したのです。しかし、私たちは自然に見ることができ、背景には風景も見えます。そして、全体の状況が自然の中に配置されているため、私たちがルネサンス芸術に移行していることを示しています。また、絵の中に距離感を感じさせる表現からは、彼が非常に教育を受けた芸術家であり、絵画における遠近法や距離を使うためのいくつかの技術や道具を知っていたことを意味します。この絵画は、「high altarpiece」と（祭壇画）呼ばれています。
次に、この絵に描かれている花についてです。
これらの花には意味があり、彼の時代に、どのように芸術家が花をシンボルとして使用していたかを示しています。
シンボルについてですが、中央には小さなイチゴが見え、三つの葉があります。これは三位一体の象徴です。また、アイリスや右側にいくつかのバラも見えます。アイリスは青色であり、マリアの純潔の象徴です。マリアが青いコートを着ているのが見えますが、これも彼女の純潔を表すものでした。アイリスという名前を翻訳すると、「虹」を意味しますが、虹は時々、雨の後に橋のように見えることがあります。また、虹には象徴的な意味もあり、キリストを指すものとしても解釈されます。彼は旧約聖書と新約聖書の間の架け橋となったからです。このように、象徴を通じて話すことができるのです。また、バラについても言及がありましたが、バラは美しい赤い色を持ち、赤は常に情熱や愛の色として知られています。しかし、血とも関連付けられることもあります。私たちはキリストの死や、エリザベスの子である洗礼者ヨハネの死を考える必要があります。なぜこれを話しているかというと、これらのバラの花びらを数えると５になるからです。これはキリストの十字架上の５つの傷を指しているのです。したがって、キリストに言及しているだけでなく、洗礼者ヨハネにも言及しています。彼の首は切り落とされ、非常に残酷な死を遂げましたので、彼も殉教者となりました。もちろん、愛についても触れましたが、赤は母親の子供に対する愛として理解することができます。マリアはキリストに、エリザベスは洗礼者ヨハネに対する愛の例です。
この絵の作者となる「Master M S 」の絵が自然の中の状況を描いていますが、通常、アーティストは自然の中でスケッチを描くことはありますが、油絵を使い絵を描くことはありませんでした。ですので、アーティストたちは本からの例を使用しました。アーティストのための本があり、動物や花の模様することができました。彼らはそのため、絵画に似たようなパターンを使用しました。このシンボルは、中世の芸術において非常に重要だったからです。人々はこの時代には通常、書くことも読むこともできなかったからという理由が挙げられます。
彼らはこの様な祭壇画から聖書の物語を学びました。
これは教会の、聖書の物語や、神の降臨の伝説についての教育ツールでもありました。ここで、キリスト教の重要な人物について学ぶことができたのです。また、ポイントは、書かれたメッセージのほとんどの場合ラテン語で伝えられていたため、１６世紀以降に母国語に変わるまで、人々は教会や司祭が何を話しているのかを理解することができなかったということです。したがって、これらの絵画からすべてを学ぶことが重要でした。
この、１４９６年につくられた、ハイアルターピース（祭壇画）の例があります。この作品は私たちのコレクションの中で最大のもので、スロバキアのサビノフ（Sabinov）の、聖ヨハネ洗礼者の教会からのものです。「翼のアルタール」という名前は、内面的な部分を覆うことができた（観音開きができる）という理由から来ています。絵画がある場所は「翼」と呼ばれ、彼らはそれを動かして、祭壇の内側を覆うことができました。人々は通常、これらの翼の外側しか見ることができ、クリスマスのイースターの時など重要な祭事にそれを開きました。
この祭壇の中央に、幼子イエスと共に立っているマリアを見ることができます。したがって、この時期、彼女をマドンナと呼ぶことができます。マリアはマドンナ（元来イタリア語で〈わが貴婦人〉の意）と呼ばれることがあるからです。これが聖人や人々を描写するためのイコノグラフィー（モチーフの表す意味やその由来を研究する学問）です。
彼女は赤ちゃんを左手に抱えている時は、マドンナと呼ばれることができます。彼女の横には、洗礼者ヨハネがいて、彼は本を持っています。また、その本の上には羊が描かれています。この羊は教会の人々を表しています。というのも、洗礼者は預言者でもあり、聖書のことを話し、人々を洗礼していたからです。彼は教会の羊飼いのような存在で、キリストと同様です。マドンナの右側には聖ペテロがいます。これらの聖人は地域によって異なることがあります。
例えば、チェコのボヘミア地方やポーランドの領域では、その地域特有の聖人が使われます。もちろん、共通して使われる聖人もいますが、地域に特有の聖人が描かれた絵画や彫刻もあります。
これらの芸術作品のローブや背景には本物の金が使われており、これらの彫刻を作成した芸術家は、非常に高い教育基準を持っており、彫刻の細部が詳細に造られています。例えば、足元に近づいて見ると、砂の中の二つの爪まで見ることができます。また、洗礼者ヨハネの手を見れば、手の静脈まで見ることができます。特に男性の顔は非常にリアルです。
このようなトレンドは多くの時代に見られ、物事を非常にリアルに描写する必要性が高まっていきました。例えば、ここにいる聖アレクサンドリアのカタリナのように、各聖人は手に何かを持っています。洗礼者ヨハネの手と同様に、聖カタリナは車輪と剣を持っています。これらは彼女の象徴であり、彼女の伝説に関連しています。そして、彼女がどのように拷問を受け、どのように亡くなったのか、通常、これらの聖人は良い方法で亡くなるわけではありません。彼らが描かれるとき、これらの瞬間は彼らの伝説から使われます。
１９世紀における中央美術
「１９世紀の芸術コレクション」という二番目に大きなコレクションのご紹介に移ります。この時代について少し説明すると、通常この時期は「長い19世紀」と呼ばれ、１８００年よりも少し前のフランス革命から始まり、第一次世界大戦の始まりまでを指します。本当に長い期間であり、この間に世界中で多くのことが起こりました。特にヨーロッパでは国民国家の誕生、また多くの戦争、革命戦争の時代でもありました。
ハンガリーでも１８４８年と１８４９年に、ハプスブルク家に対する独立戦争があり、ハンガリーはそれに敗れました。これは、ヨーロッパ全体で愛国心が目覚めた時代でしたが、一般的に世界で何が起こっていたかを考えると、重度の植民地化の時代でもありました。そして、私たちはすでに多くの大きな博物館が他国から持ち帰った遺物を返し始めていることを知っています。
残念ながら、この時代は多くの遺物が略奪に遭いました。
また、この時代は、多くの発明があった時期でもありました。芸術にとって最も重要な発明の一つはやはり写真技術の発明でしょう。
写真ができた当時から、画家たちが自らの芸術のためのメディアとして、非常に多く利用し始めました。
他にも、蒸気機関車や電気といった発明があり、現在から見れば世界中の芸術と生活をどのように変えたか一目瞭然です。蒸気機関車や飛行機によって、移動の仕方が少し早くなりました。また、芸術の世界においても、アイデアを以前よりも迅速に交換できるようになり、アーティストたちは遠くの国から別の国へ、たとえばオーストラリアからフランスへと移動して学ぶことができました。１９世紀に起こったことは本当に驚くべきことであり、愛国心の高まりにも影響しています。祖国、母国とは何かを探求することで、作家もコレクターもクライアントも、フォークアートの収集を始め、エキゾチックな作品も収集し始めました。それはアフリや中国、そして日本から来ました。彼らはヨーロッパで未開の地を求めていたのでした。また、この時期は、多くの美術アカデミーや公共博物館の誕生の時期でもありました。
この写真は、後にブダペスト美術館のコレクションとなります。ハンガリー国立ギャラリーは美術館と共同で運営されており、このコレクションはハンガリー科学アカデミーの展示にありました。当時は、芸術大学が主にフランスやドイツにあったため、ハンガリーの学生たちも留学したことが見て取れます。
彼らはその地に移住し、絵を描く方法を学びました。１９世紀後半から２０世紀初頭にかけて、ハンガリーで初めての美術アカデミーが誕生しました。
この当時の発明に関しては、絵具チューブの発明は非常に重要でした。これはアメリカで発明され、持ち運びが容易になったため、場所から場所へ移動するのが簡単になりました。中世の時のように、自分で色を作るための手間をかける必要がなくなったのです。
次に紹介するのは、羊飼いの生活、そして彼らの周辺の人々の生活を作品として発見した例です。興味深いことに、１９世紀には彼らの生活はある種のエキゾチックさを持っていました。実際、ここからつくられた彫刻が「踊る羊飼い」という作品で、彼に対抗する動きを捉えるのは本当に簡単ではありませんでした。これは、ハンガリーの国立彫刻家の一人と見なされるミクロスからの素晴らしい作品です。
この時期、国全土に、ハンガリーの美しい風景、ハンガリーの有名な湖、バラトン湖、そして素晴らしい大平原を発見され（知られ）ました。
１９世紀のハンガリーの地図を見ると、第一次世界大戦の終わりまでのオーストリアハンガリー帝国の姿を確認できます。その後、この領土の大部分を失い、１９世紀の終わりにはこのようでした。アーティストたちの行動範囲もこれにより随分と変わったことでしょう。
この写真では、１９世紀のコレクションの一部が展示されています。展示キュレーターたちは、１９世紀の展示がどのように見えたかを観客に見せたいと考えました。
当時は、ホワイトキューブの様な白い壁ではなく、赤色や、壁紙の壁が多く、さらに壁面はできるだけ多くの絵を壁に飾ること通常でした。質に関係なく、できるだけ多くのものを壁に飾りたかったのです。そのため、観客にとっては、これらの写真を見るのは簡単ではなく、目が一つの絵から別の絵へと移動し続けるため、視覚的な情報が非常に多く、時には美術館で気を失うことも珍しくありませんでした。私たちのキュレーターたちは、この展示室をこのように再現しました。
一つの素晴らしい作家例として、Gyula Benczúrを紹介します。彼は歴史画家であり、肖像画家としても知られ、１８世紀後半から２０世紀初頭にかけて、ハンガリーで非常に有名になりました。彼は皇后エリザベートの肖像画も描き、肖像画の分野においても非常に重要な存在でした。また、いわゆる歴史画は１９世紀の主流で、革命や国の誕生によって、彼らは自国の歴史に登場する偉大な人物たちの例を国民に示したかったのです。たくさんの歴史画がありますが、私は今回この作品を選びました。
ここには、初代キリスト教の王、ステファン大王（Baptism of Vajk, 1875 ）が描かれています。彼は異教徒からキリスト教徒へと変わり、ハンガリーにおいて「ステファン・オリースト」となりました。ここでは、ステファンの洗礼が描かれています。彼の父、ガーザは国の指導者で、彼は自分の息子が次の指導者となるべきだと決意したとのことです。彼は洗礼を受ける必要があり、新興国は強力な同盟国を必要としていたため、彼は最良の選択肢を探していました。彼は東方のビザンチン帝国や、当時の神聖ローマ帝国に目を向けました。この絵画には、当時の神聖ローマ皇帝オットー3世と、プラハの司教が描かれています。彼はステファンを洗礼した人物であり、これはハンガリーの国の指導者を意味しました。そのため、彼らは西欧側に目を向け、強力な支援を得ようとしました。この時期、皇帝がこの出来事に立ち会っていたかどうかは不明で、彼が洗礼を受けた正確な時期もわかっていません。彼はまだ十代か若い成人だった可能性がありますが、絵画では非常に筋肉質な人物として描かれています。アーティストはこの人物が偉大な王、強力な指導者になることを示したかったのです。
また、ここでも色を使ってシンボルを表現しています。ステファンはクリムゾンのコートを着ており、この色は常に支配者や王のための色でしたが、白も見られます。これは彼の人生の新しい章を象徴しており、彼が純粋であることを示しています。また、アクセサリーを通じて、ステファンと彼の未来の役割についての物語を語ることができます。若い侍従の手にある盾と剣は、ステファンが国と教会の守護者となることを象徴しています。彼は１１世紀に多くの教会を設立し、ハンガリーにおける教会、教区の構造を作り上げました。
画家は、当時、美術アカデミーがなかったため、多くのことを学ぶためにドイツで教育を受けました。彼は歴史画家になりたいと強く望んでおり、そのための技術を習得しました。
こちらの絵画「Picnic in May」を描いた、Pál Szinyei Merseですが、彼は最初から全く異なることをしたいと思っていました。彼は歴史画にはあまり興味がなく、すでにこの時点で少し反抗的でした。彼は色に興味を持ち、色がキャンバス上でどのようになるかを研究し、色彩理論を学びました。そして、色をキャンバス上で使う方法を模索し、観る者を少し操作できるようにしたいと考えました。彼は色を隣り合わせに配置し、それらの色が互いに強調し合うようにしました。例えば、赤と緑の組み合わせです。この絵画を見ると、すぐにその部分に目が引かれます。
１８７３年にウィーンでの万国博覧会でこの絵を展示した際、人々は彼の意図を理解できませんでした。というのも、彼のような色使いをしたアーティストは他にいなかったからです。濃い赤やピンクの斑点、そして前述の緑の原っぱとのコンビネーションに、ある批評家は、「まるでアーティストが色に酔っているかのようだ」と言いました。
また、聖書の物語や古代の物語ではなく、草地にいる平凡な人々の姿が描かれていたために、再び批判を受けました。彼の絵は理解されず、１８７３年にはかなりの物議を醸しました。また、展示された場所が天井近くであったため、人々は作品の詳細を確認できず、彼は展示からこの絵を撤回させられました。その後、彼は田舎の自宅に戻り、２０年以上も公に作品を展示しませんでしたが、世代交代に伴い、今世紀のハンガリーの新しいアーティストたちによってようやく再発見されたのでした。彼は異なる素材を描ける素晴らしい才能を持っており、光沢あるディテールが見える、本当に美しい絵画を制作しました。
光や色について、興味深いことに、日付を見ると１８７３年で、「印象派」の最初の展覧会はパリで、その１年後のことです。つまりこの作品を制作した時、彼はモネやマネ、その他の印象派スタイルの画家たちの作品を知らなかったのです。これが彼にとって非常に重要であり、さらに興味深いのは、異なる場所にいるアーティストたちが、お互いのことを知らなくても同じアイデアやテーマにたどり着くことがあるという点です。
このアーティストは、例えば、この絵の中で非常に現代的な構造を使用しました。グループの影は見えますが、木自体は見えないのです。彼はそれを絵から切り取ったのです。これは彼にとって非常に現代的な決断でした。次に、当初、彼はキャンバスに自分自身を絵の中に登場させて描くつもりはありませんでしたが、後にそれは描かれています。先ほどもあげた「印象派」についてですが、最初の印象派展で、マネは、そのスキャンダラスな絵画「草の上の昼食」（Édouard Manet, “Luncheon on the Grass”, 1863）があります。
この絵でも同様のテーマが見られます。マネはこの裸体で、「普通の人々が森にいるのは何だ？」（れ以前の西洋絵画史において、裸体の女性は神話や歴史上の出来事を描いた作品において登場するものであったため）といったことについての批判を受けました。ともあれ、自然空間と一般人のモチーフ、マネとメルセは同じ方向を向いており、メルセはマネについて何も知らないまま、批判されたのち、家で静かに過ごした年々が進んだのでした。
この絵、「“Lady in Violet”, 1874」の中にいる紫のドレスを着た女性は、メルセの妻です。この絵は、「ピクニック」の作品時の真ん中の白いドレスの女性で、その１年後に描かれています。この絵は、もちろんそれは妻の肖像画ですが、彼が色に興味を持っていたことが表れています。特に彼は紫色を使っていますが、その女性は小さな黄色い花を持っています。紫と黄色は対になっており、お互いを引き立て合っています。そのため、この絵の前に立つと、まずは小さな花に視線を引きつけるからです。彼は色使いに関して非常に賢い画家でしたし、自然の細部においても素晴らしい才能を持っていました。彼は驚くほどの記憶力を持っており、一度見たものを記憶から再現することができました。しかし先ほども言及したように、彼は世紀の変わり目にしか発見されなかったので、少し遅れて知られることとなりました。今のハンガリー人に、誰かお気に入りの絵画を挙げるように尋ねると、たいていこの絵画を挙げるでしょう。
今度は、特にハンガリーで、どのようにエキゾチックな日本や中国からのインスピレーションが扱われていたかの例をお見せしたいと思います。ここに見えるのは日本風の女性の絵で、周りの道具やアクセサリーが日本製であることがすぐにわかります。
彼らは日本の版画やあらゆる情報に興味を持っていました。また、私たちは美術館も展示会を開催し、多くのアイテムを購入し、収集するために努力しました。この絵画は、ハンガリー美術におけるオリエンタリズムの素晴らしい一例です。「Japanese Woman」を描いた画家、ベーラ・シケイ（Bertalan Székely）は、肖像画家で、歴史画も手がけていました。
次の例として、非常に興味深いアーティスト、Tivadar Csontváry Kosztka (1853-1919)が挙げられます。彼はもともと画家ではなく、田舎に住む薬剤師でしたが、ある日、彼の頭の中で声が聞こえ始めたのでした。その声は、彼がルネサンスの画家ラファエルよりも偉大なアーティストになるとのお告げで、誰よりも太陽を良く描くことができると言いました。今でこそ、私たちは彼が精神的な問題を抱えており、統合失調症であったことを知っています。そのため、彼はこの声を聞き、「この呼びかけに耳を傾ける」と言い、自身のビジネスを売却しました。そして、そのお金でヨーロッパを旅し、近東のレバノンにも行きました。彼はミュンヘンのいくつかの美術アカデミーにも通ったのですが、学校のような構造が自分には合わないと感じたため、自己学習を選びました。彼はある意味で、独学のアーティストでした。旅行中、彼はイタリアやドイツの山脈へも足を運び、多くの場所で現地スケッチを制作しました。彼は小さな油絵も描き、後にそれらを大きなサイズに再制作しました。
ここには彼の作品の中で最も有名なものの一つ、Tivadar Csontváry Kosztkaの “Ruins of the Ancient Greek Theater at Taormina”（1904- 1905）です。
彼は生涯は全く誰からも受け入れられず評価されませんでした。しかし、彼の非常に鮮やかで強い色を使い、黄色や青、緑などの発色は、この時代にこれほどまでに独自のスタイルを持った作家はいませんでした。また、絵画には非常に謎めいた細部がありました。彼は「普遍的な視点」を創造したいと常に考えていました。つまり、絵画にはより多くの水平線や異なる垂直線が組み合わされています。絵の前に立つと、上からや下から見ることで、少し異なる視点が得られます。これは当時の観衆にとって非常に衝撃的なものでした。
しかし、生涯、世間から彼の芸術に対する理解は得られず、彼は非常に貧しく病気のまま亡くなりました。また、彼は負債を抱えており、彼の作品が描かれた強いキャンバスを再利用するためにトラックに乗せられる正にその寸前、運良く遠い親戚が最後の瞬間に現れ、この絵画を買い、この絵の現在があるのです。今では、ハンガリーのオークションでは彼の絵が相当の額で取引されています。ハンガリー人で彼のことを知らない人はいないほどです。彼の制作をより広い文脈で捉え、彼の色使いや発明を見ていくと、またフランスのパリにたどり着きます。そこでパブロ・ピカソと彼の友人たちが、当時のパリでキュビズムを創り出しました。彼らは強い色彩を使用し、さまざまな視点から物事を見せる方法を模索していました。彼らは絵画を幾何学的な形から構成し、さまざまな細部から絵を作り上げています。ここにも、チョントバーリーは知らずの内に、キュビズムの相似点が見えます。また、チョントバーリーは、彼らと違ってアルコールを一切飲みませんでした。彼は菜食主義者であり、タバコも吸っていませんでした。ピカソに関しては、彼らやその仲間が多量のアブサンを飲み、喫煙し、幻覚作用により何かのイメージを見ていたことが知られています。それなのに、興味深いことに、異なる場所で異なるアーティストたちが同じ方向に到達することができるという点があります。新たな視点がハンガリーの芸術におけるモダニズムに向けて開かれたといえます。このプレゼンテーションを通じてハンガリー国立美術館のハイライト作品についてお話しできたことに感謝します。
A）ハンガリーの美術史を読み解くことで、この地域の移り変わる全体像が見えてきたような気がします。また、各作品にまつわる詳細な説明は、とても貴重で新鮮な話ばかりで、今回の経験を与えてくれたアルブレフト氏に感謝します。
Q&A
Q１:今日は質問というより感想ですが、ハンガリー芸術の文脈を学べることは非常に重要なことだと思います。これは、同時期に様々な世界で、どんなことが何が起こっていたのかを理解することで、もっと興味深くなると思います。現代は政治的な状況も変わっているため、非常に複雑で理解するのが難しいですが、今日は作品を通して新鮮な視点や方向を知ることができて本当に良かったです。
A１：美術作品を勉強する魅力は、先ほどの「ピクニック」を描いた作家は、本当にパリでの印象派について知ることは本当に不可能でした。そのようなことを知るとき、そこに偉大な魅力があります。１９世紀には多くのことが同時に起こっていたので、美術史家や研究者にとって、この時代について学ぶ大きな源となります。
Q２:美術館で働いていることについて、何か少し教えてください。
A２：ハンガリー国立美術館の近況について言うと、私たちのコレクションには1945年からの現代アートも、本当に新しいコレクションもあります。展示は数ヶ月毎にコレクションは再編成され、多くの現役アーティスト、特に若いアーティストの作品が展示されるようになりました。今のハンガリアンアートの新しいトレンドを見るには本当に新鮮で楽しいです。
現在のアートだけでなく、私たちの歴史も展示する意図があるので、特にブダペストの最適な場所にあるハンガリー国立ギャラリーに、このような場所があるのは素晴らしいことです。美術館のビューポイントでの景色も本当に素晴らしいです。ドームに上がって、街や川、ペスト側を見ることができ、本当に美しいです。
私たちはよく、冗談として、マリー・テレーズ（マリア・テレジア）は、この景色があるにも関わらず、彼女はブダに滞在したがらず、ウィーンに住んでいましたことについて話します。噂によれば、彼女はブダ城で一晩も過ごしたことがないそうです。
ハンガリーに来る皆さん、是非この美術館に来てみてください。美術作品と建築、景色、そして素晴らしいカフェを楽しむには本当に完璧な場所です。街は観光客で賑わっており、とても活気に満ちています。
是非、ハンガリーにお越しください。それではまた。
