アート領域で他の業界と違う特化した部分は、「最後まで完成形が変わっていい、許されている」というところです。
アートとは創る人、その全ての周りの人に自由です。
しかしその中でもある程度自分で枠組みを作り、思考を誘導してあげないとなかなか形にできないのも事実です。
今回は私が作品をつくり上げるプロセスについて紹介したいと思います。
なぜプロセスは大事なのか
冒頭で述べたとおり、アートは自由です。
多くの人は表現することが好きで、アートの世界に入ったのかと思います。そういった人にとって表現することをプロセス化するのは忌避感があると思います。
また、美術大学などでも習わないと思います。（私は習いませんでした。）
しかし芸術だ、と言っても人がつくるものには手順があります。
つまりそれぞれ違う何通りかの方法を学んだら、自分がアイデアが詰まった時やモチベーションが上がらない時などの助けになるのではないでしょうか。
特に学生の方は、授業やバイト、卒業後のことを考えて苦しむことたくさんあるのではないかと思います。
また、作品をつくるのに苦労するのは経験不足だからと思いがちですが、複数の作品の設計手順を知っていたらこういった悩みの解消につながるかもしれません。
アートの設計手順
アートと言っても広過ぎますので抽象的に色々なジャンルにも当てはまるように書いてみようと思います。
作品が披露される環境／支持体
画家でいうキャンバス、演者でいう舞台など、自分の表現方法、表現場所を選定します。
↓
意図／アイデア／コンセプト
テーマの決定や、コンセプト作りです。ここは現代アート領域では特に重要視されている項目です。後から変更しにくい項目のため時間をかけてしっかり決めましょう。
↓
自己のスタイル／現実的か
自分のブランドカラーはでているか、冷静になってみて自分に向いているか、可能かを再検討します。
↓
社会側から見た価値で考察
今、これをつくる意味があるのか、この作品の社会的位置はどこになるのか、を考察します。
↓
デザイン／デッサン／仮設計
ミニチュア、試作品、デザイン画などを造ったり手を動かしながら試行錯誤し、現実とイメージをすり合わせます。
↓
変更／変革
制作過程の中で感じること、分かったことからコンセプトを追加したりします。
↓
完成
まとめ
私は上記のように作品を完成に導きます。
もちろんこれは個人差があると思います。同じ人でも毎回違うかもしれません。私の場合は上記の通りにやることが多いですが、調子の良い時などはこういった枠組みを考えず完成する事ももちろんあります。
もっとコンスタントに作品を作れるようになりたい、同じような作品ばかり思いついてしまうなどがありましたら、ぜひ試してみてください。
それではまた別の記事でお会いしましょう。
